Meer over het programma:
Moderne melodieën
Lars-Erik Larsson schreef in de jaren 1950 een revolutionair opus met zijn 12 concertinos. De Zweedse componist, dirigent en radioproducent was een sleutelfiguur in de twintigste-eeuwse Scandinavische muziek. Larssons werken behoren tot de meest populaire voorbeelden van Zweedse klassieke muziek. Daarnaast schreef de Zweedse componist vele stukken voor theater, radio en bioscoop. Larssons oeuvre kenmerkt zich door grote diversiteit. Zijn werken variëren in stijl van laat-romantisch tot originele technieken geïnspireerd door het twaalftoonsserieel systeem ontwikkeld door de Oostenrijkse componist Arnold Schönberg. Larsson schreef ook een aantal stukken in een neoklassieke stijl en integreerde vaak elementen van Scandinavische volksmuziek in zijn composities. Na de Tweede Wereldoorlog werd Larsson aangesteld om verschillende amateurorkesten te inspecteren die in aanmerking kwamen voor subsidies van de Zweedse overheid. Hij merkte dat de repertoires van deze ensembles bijna geen werken bevatten die als ‘modern’ konden worden beschouwd. Volgens Larsson kwam dit niet zozeer voort uit een afkeer van moderne muziek, maar uit de beperkte technische vaardigheid van de muzikanten in de ensembles. Dit stimuleerde de Zweedse componist halverwege de jaren 1950 om 12 korte concertinos te schrijven - één voor elk instrument in een klassiek symfonieorkest - die samen één opus vormden. Deze concertinos, of ‘kleine concerten’, combineren een interessante en technisch uitdagende solopartij met een relatief eenvoudige begeleiding voor een strijkorkest. Ondanks zijn eenvoud is dit opus noch eenvoudig noch fantasieloos, maar eerder een verfijnd en goed uitgebalanceerd muzikaal werk. Met deze concertinos schreef Larsson toegankelijke moderne muziek die binnen de mogelijkheden van amateurensembles viel. De twaalf stukken worden nog steeds regelmatig uitgevoerd. Het geheim van de aanhoudende populariteit van deze concertinos ligt in hun toegankelijke karakter en hun charmante melodieën.
Kwaliteit boven kwantiteit
Hij was een schoolvoorbeeld van de Britse middenklasse. Met zijn interesse in cricket, wiskunde en geschiedenis leek Benjamin Britten een doorsnee ‘jongeman van het platteland’. Het andere aspect van zijn karakter was zijn buitengewone muzikaliteit, die hij ontwikkelde door op jonge leeftijd pianolessen te nemen. Britten componeerde ongeveer 800 muziekstukken toen hij nog een kind was. In 1934, toen hij nog maar 20 jaar oud was, voltooide hij zijn Simple Symphony als een eerbetoon aan zijn jeugd. Dit werk, dat Britten opdroeg aan zijn altvioolleraar, is geheel gebaseerd op motieven die hij als kind componeerde. De klassieke structuur van deze symfonie is in lijn met Brittens algemene stijl. In tegenstelling tot zijn tijdgenoten verwierp Britten de experimentele stijl van die tijd - een stijl die, dankzij componisten als Schönberg, evolueerde naar atonaliteit. In plaats daarvan streefde de Britse componist ernaar om in de voetsporen te treden van Vaughan Williams als nationaal geliefde componist. De humoristische Simple Symphony is een resultaat van die ambitie. Elk deel van deze klassieke vierdelige symfonie is gebaseerd op hetzelfde paar motieven uit Brittens jeugd. Het eerste deel, Boisterous Bourrée, is geschreven als een sonate en bestaat uit twee contrasterende thema's: het eerste is luid en speels, terwijl het tweede rustgevend en lyrisch is. Met zijn abrupte einde wekt het eerste deel de indruk dat deze symfonie vrij compact zal zijn: kwaliteit boven kwantiteit. Vervolgens laat Britten in het tweede deel, Playful Pizzicato, het gehele strijkersgedeelte pizzicato presto possibile spelen - zo snel als ze kunnen. Dit levert ongebruikelijke kleuren op, samen met de illusie dat andere instrumenten, zoals een harp of gitaar, op bepaalde punten bij het ensemble zijn gekomen. Met zijn vloeiende, lyrische lijnen vormt de Sentimental Sarabande een sterk contrast met het voorgaande deel. Toch behoudt Britten de continuïteit in het stuk door de pizzicati uit het tweede deel een tijdje terug te brengen. Tot slot sluit de Frolicsome Finale de symfonie perfect af, als de kers op de taart. De spanning bouwt zich langzaam op gedurende het deel, totdat de overgang naar een meer trage tempo lijkt te wijzen op het einde van de symfonie. Dan, als een bliksemschicht uit een heldere hemel, sluit de snelle en luide coda deze niet zo eenvoudige Simple Symphony af.
Controversiële kunst
‘Zwei Menschen gehn durch kahlen, kalten Hain (twee mensen lopen door een kale, koude bosjes).’ Verklärte Nacht, door de controversiële dichter Richard Dehmel, begint met deze sombere, enigszins onheilspellende zin. Met dit verdelende gedicht, waarop de Oostenrijkse componist Arnold Schönberg zijn gelijknamige compositie baseerde, wilde Dehmel de respectabele burgers van Wenen shockeren en provoceren. In vijf strofen vertelt het melancholische gedicht het verhaal van een jong stel wandelend door een grauw en schaduwrijk bos. De vrouw biecht haar minnaar op dat ze een kind van een andere man draagt. Ze schaamt zich voor haar misstap en heeft de relatie met haar ware liefde in gevaar gebracht. Wanneer de minnaar in de laatste strofe verklaart dat hij het kind als zijn eigen zal accepteren, breekt het licht onverwacht door en verslaat de duisternis. De seksuele inhoud van de tekst was al bijzonder controversieel; in combinatie met Schönbergs complexe harmonieën ontving Verklärte Nacht een gemengde ontvangst. Het stuk bestaat uit één lange, doorlopende beweging met dicht verweven melodielijnen, met vijf subtiele maar merkbare onderverdelingen die overeenkomen met de strofen van het gedicht. Schönbergs compositie vult Dehmels gedicht uiterst goed aan, niet alleen in zijn vorm, maar ook qua sfeer. Verklärte Nacht creëert de donkere en sombere ambiance die kenmerkend was voor het fin-de-siècle Wenen. Ondanks de ambivalente ontvangst vestigde het stuk zich snel – en terecht – als een mijlpaal op de weg naar de moderniteit in de klassieke muziek. Net als in Wagners latere werken is de tonaliteit in Verklärte Nacht vluchtig maar niet volledig opgeofferd. Schönberg schreef Verklärte Nacht tijdens zijn laat-romantische periode. Later zou de Oostenrijkse componist een van de eersten worden die de sprong naar atonaliteit maakte. De opmerkelijk inventieve Schönberg, die bijna geheel autodidact was, voelde zich beperkt door de beperkingen van de tonaliteit en het harmonische systeem dat al 150 jaar bestond. Het is dan ook geen wonder dat zijn middenperiode gekenmerkt is door vrije atonaliteit. Atonaliteit is wanneer er geen systeem is dat de muziek beheerst en de componist volledig vrij is om zijn eigen tonen te kiezen. In de latere periode van zijn carrière ontwikkelde Schönberg zijn eigen systeem: het twaalftoonsserieel systeem, ook wel dodecafonie genoemd. Schönberg werd een prominent figuur in de Weense muzikale gemeenschap en ontving zowel felle lof als scherpe kritiek van vooraanstaande muzikanten. Atonaliteit werd nooit volledig omarmd door componisten en het publiek. Omdat Schönberg niet in staat was om te leven van het schrijven van muziek, probeerde hij zichzelf en zijn familie te onderhouden door muziektheorie en compositie te onderwijzen. Toen de nazi's aan de macht kwamen, verliet de componist Wenen en verhuisde naar Amerika. Na een leven gekenmerkt door slechte gezondheid en financiële problemen, stierf Schönberg op 77-jarige leeftijd in Los Angeles. Hoewel zijn eigen leven misschien niet revolutionair was, veroorzaakte zijn muziek zeker verhitte debatten in de twintigste eeuw.
